Показаны сообщения с ярлыком зарубежная музыка. Показать все сообщения
Показаны сообщения с ярлыком зарубежная музыка. Показать все сообщения

вторник, 22 июля 2014 г.

Инструментальная музыка Сен-Санса

Лучшие достижения Сен-Санса связаны с областью концертно-виртуозной музыки. Именно здесь отчетливее всего определились сильные стороны таланта Сен-Санса. Рельефность, «броскость» тематизма, опора на народно-бытовые жанры (преимущественно в финальных частях), живость и блеск, соразмерность и отчетливость изложения обеспечили этим произведениям заслуженный успех.

Известностью пользуются виолончельный концерт a-moll, Третий скрипичный h-moll, но особенно — «Интродукция и рондо-каприччиозо» (1863) для скрипки с оркестром — виртуозное произведение лирико-скерцозного плана, в котором своеобразно преломились влияния Мендельсона — Шумана. Разнообразно содержание фортепианных концертов Сен-Санса; всего их пять. Во Втором g-moll (1868) первая часть покоряет свободной, непринужденной импровизационностью, богатством ритма, вторая — остроумием и изяществом, а третья — задорным непрерывным движением в духе тарантеллы, которое под конец части приводит к большому динамическому подъему.
В целом же музыка этого приобретшего популярность концерта отмечена жизнедеятельным характером, тем сочетанием эмоциональной непосредственности и рационализма, которое является типической чертой творчества Сен-Санса. Более возвышенный строй музыки присущ Четвертому концерту c-moll (1875); своеобразием жанрового колорита отмечен Пятый концерт F-dur (1896 — в его второй части отражены впечатления композитора от путешествий по Африке). Красочность и стройность построения присущи и симфоническим поэмам Сен-Санса. Опираясь на листовский метод обобщенной трактовки положенной в основу произведения программы, он, однако, более «классичен» в принципах музыкального развития, в чем заметно воздействие Мендельсона. Эти произведения были написаны в 70-х годах; некоторые из них исполняются и по сей день («Прялка Омфалы», 1871, «Фаэтон», 1873), чаще же всего — «Пляска смерти» (с солирующей скрипкой, 1874), навеянная «мефистофельскими» музыкальными образами Листа. Это фантастическая ночная сцена, разыгрываемая на кладбище (по поэме Анри Казалиса). Колокол бьет полночь. Смерть играет на скрипке. Под необычный вальс (скрипка сопровождает его мелодию чарующими фигурациями) встают из гробов покойники; «то кости лязгают о кости» — в звучании пиццикато струнных инструментов и ксилофона. Внезапно петух предвещает зарю (мотив у гобоя). Призраки исчезают. Рассвет изгоняет смерть. Партитура поэмы богата разнообразными оттенками, тембровыми находками, но ее музыке все же не хватает демонической стихий ности, чувственной обольстительности, злой издевки, как это имеет место, например, в «Шабаше ведьм» из «Фантастической симфонии» Берлиоза, в «Ночи на Лысой горе»Мусоргского или в «Мефисто-вальсе» Листа. Сен-Сансу, однако, более удаются изящество выражения, тонкость колорита, четкая отделка деталей. В его творчестве значительна также роль народно-бытовых жанров. Он интересовался и тщательно изучал фольклор не только Франции, но и других национальностей, создав для оркестра Бретонскую .и Овернскую рапсодии, Русское, Датское, Арабское каприччио, Алжирские сюиты, фантазию «Африка» (для фортепиано с оркестром), вокальные Персидские песни, фортепианные Португальские баркаролы и пр. Особняком стоит самое капитальное инструментальное произведение Сен-Санса — Третья симфония c-moll, именуемая также «Симфонией с органом» (1886) — она посвящена памяти Листа. Композитор считал, что в этой симфонии он дал максимум того, что мог дать. Симфония двухчастна, обе ее части широко развиты, масштабны. Музыка ее отчасти напоминает Франка — с обычным для последнего противопоставлением волевых, героических стремлений мотивам горестных сомнений, упадка духа. Но, в отличие от Франка, Сен-Санс обращается к монотематическому принципу Листа: варьируя основной тематизм, свободно преобразуя его, привлекая мощный оркестровый аппарат с участием органа и фортепиано, Сен-Санс дает богатую смену образов. Части симфонии обрисовывают как бы две стадии душевной борьбы: первая заканчивается в тонах восторженного самоотречения, тогда как вторая приводит к ликующему прослав лению силы духа, воли к созиданию. При всех своих достоин ствах эта симфония все же тяжеловесна по изложению, ей недостает обычной для композитора ясной целеустремленности развития. Немало внимания Сен-Санс уделял и камерно-инструментальной музыке: им созданы фортепианные трио, скрипичная соната, струнные квартеты и пр. В этом количественно богатом списке выделяется классической простотой и живостью изложения септет для фортепиано, трубы и струнного квинтета (1881).

Опера "Самсон и Далила" Сен-Санса

Опера "Самсон и Далила" Сен-Санса

Сен-Санс оставил свыше десяти произведений для музыкального театра (в том числе балет «Жавотта»). Но лишь одно из них удержалось в репертуаре. Это — опера «Самсон и Далила» на библейский сюжет (1866—1877, впервые поставлена в Веймаре; в Париже показана только в 1892 году). В произведении Сен-Санса использован тот же сюжет, что и в известной оратории Генделя, но в другой трактовке. Классик ораториального творчества стремился передать прежде всего героический дух библейского сказания: в центре его внимания не погрязшие в пороке филистимляне, но страдающий иудейский народ, возглавленный могучим Самсоном на освободительную борьбу. Иное у Сен-Санса: его опера представляет собой не драматически-конфликтное действие, а скорее ряд красочных картин, где удача более сопутствовала композитору в изображении изнеженности филистимлян и обольщений Далилы, нежели суровости иудеев и героики Самсона. Именно образ коварной соблазнительницы и ее окружения стал центральным в опере. Музыкальная характеристика Далилы отличается пластичностью, чувственным очарованием, мелодикой широкого дыхания, плавно ниспадающей. Просвечивают в ней и своеобразно преломленные «ориентализмы» (хроматика, лады дорийский, фригийский и т. п.). Эта интонационная сфера устанавливается с первого же выхода героини — на фоне прозрачно звучащего хора девушек-Филистимлянок, славящих весну. Дальнейшее развитие таких музыкальных образов содержится в причудливом танце жриц храма Йагона. Кульминация I акта — трехчастная ария Далилы «Весна появилась» (E-dur) знаменует начальный этап обольщения Самсона; характер музыки еще сдержанный, мелодии проще, более песенны, чем в последующих ариях.
II акт — самый действенный в опере. Оркестровая прелюдия живописует южную ночь, близится гроза; этот тревожный фон неоднократно возникает на протяжении всего акта, завершаясь в момент высшего драматизма грозой. Второй этап обольщения закреплен также в трехчастной арии Далилы «Любовь, дай свое обаянье» (As-dur)
Драматургическая вершина оперы — большой дуэт с Самсоном (обрамлен темой грозы в оркестре). Развернутая диалогическая сцена имеет несколько разделов; один из них образует третья ария Далилы, ставшая очень популярной на концертной эстраде — «Открылася душа» (Des-dur). Здесь сосредоточено все наиболее характерное (ср. пример 208), что присуще музыкальной характеристике героини
В III акте, как и в первом, широко выписан лагерь филистимлян; его музыка тесно связана с интонационной сферой Далилы. Наиболее впечатляют хор в храме Дагона и балетные сцены вакханалии, нередко исполняемые в симфонических концертах. Таковы лучшие номера оперы, картинная живописность которых напоминает стиль музыкально-сценических произведений Берлиоза. Влияние последнего обнаруживается и в кантатно-ораториальных сочинениях Сен-Санса. Среди них широко развернутая, в духе симфонической поэмы, музыкальная картина «Потоп» (на библейский сюжет), кантата «Лира и арфа» (по оде Гюго). В заключение следует отметить, что, в отличие от ряда его современников, творчество Сен-Санса лишено клерикальных черт. Он обращался к ортодоксально—духовным сюжетам лишь тогда, когда работал в церкви. С начала 70-х годов, бросив службу органиста, добившись признания как композитор и концертирующий пианист-виртуоз, он мало интересовался подобными сюжетами. И библейские сказания, в том числе «Самсона и Далилу», равно как и античные мифы, трактовал в духе жизненно-достоверных рассказов о реальных событиях и людях. В этом — еще одно подтверждение прогрессивной направленности творческой деятельности Сен-Санса, одного из наиболее крупных мастеров французской музыки второй половины XIX века.
САМСОН И ДАЛИЛА (Samson et Dalila) - опера в трех действиях Камиля Сен-Санса на либретто (по-французски) Фердинанда Лемера, основанное на Книге Судей.
ДЕЙСТВУЮЩИЕ ЛИЦА:
ДАЛИЛА, жрица бога Дагона (меццо-сопрано) САМСОН, предводитель иудеев (тенор) ВЕРХОВНЫЙ ЖРЕЦ ДАГОНА (баритон) АБЕМЕЛЕХ, газский сатрап (бас) СТАРЫЙ ИУДЕЙ (бас)
Время действия: библейское. Место действия: Газа. Первое исполнение: Веймар (по-немецки), 2 декабря 1877 года.
ДЕЙСТВИЕ I
В палестинском городе Газа израильтяне находятся в рабстве у филистимлян. Они собрались ранним утром на городской площади, здесь Самсон призывает их к активному сопротивлению. Иудеи, измученные издевательствами завоевателей, колеблются и сомневаются в успехе своего сопротивления, но в конце концов страстный призыв Самсона воодушевляет их. Их волнения вынуждают явиться сюда Абемелеха, сатрапа Газы, чтобы выяснить, что же здесь происходит. Его ядовитые насмешки и колкости, а также призыв оставить бога Иегову ради Дагона возбуждают у иудеев ненависть к нему. Самсон пробуждает в израильтянах столь сильное чувство негодования, что они восстают («Israel, burst your bonds» — «Израильтяне, разорвите свои оковы»). Абемелех нападает на них; Самсон выбивает у него меч и убивает его. Филистимляне в панике бегут; Самсон во главе иудеев преследует их.
Двери храма бога Дагона открыты. Из них выходит верховный жрец со своей свитой. В патетических тонах он шлет проклятье Самсону. Однако ему не удается вернуть филистимлянам уверенность в себе после того ужаса, который они недавно пережили. И когда возвращаются израильтяне, верховный жрец и все его окружение предпочитают удалиться.
Настал час великого триумфа Самсона. Именно в этот момент обольстительная жрица Далила выступает вперед из храма Дагона вместе с хором своих, столь же пленительных юных прислужниц. Они приветствуют торжествующего героя, украшая его гирляндами, обольщают его песнями и танцами. Далила шепчет ему, что он уже царит в ее сердце, и поет обольстительную арию о весне («Printemps qui commence» — «Весна начинается»). Один из иудейских старейшин предостерегает Самсона, но молодой герой, который уже имеет репутацию человека, подверженного чарам женской красоты, совершенно покорен Далилой.
ДЕЙСТВИЕ II
На долину Сорек опускается ночь. Приближается гроза. Короткое вступление ко второму действию создает впечатление, как это может сделать музыка, — что ночь будет прекрасна. Далила, одетая настолько обольстительно, насколько позволяют это нормы приличия в большой опере, ожидает в роскошном восточном саду своего возлюбленного. Она ненавидит его как врага своего народа и в полной энергии и силы арии («Amour! viens aider та faiblesse!» — «Любовь! Приди помочь, моя слабость!») молит бога любви помочь ей лишить его силы.
Верховный жрец приходит, чтобы сказать ей, что дела идут все хуже и хуже, поскольку иудеи, некогда рабы, теперь восстали против своих прежних хозяев. Зная хорошо тщеславие красавиц, он специально сообщает, что Самсон хвастался тем, что ей не удастся подчинить его себе. Но Далила и так вполне ненавидит Самсона и без этого подстрекательства. И позже, когда верховный жрец обещает щедро одарить ее, если ей удастся разведать секрет его силы, она говорит ему, что никакого вознаграждения не нужно. Она уже трижды пыталась выведать эту тайну — и все три раза терпела неудачу. Но на сей раз она клянется, что добьется успеха. Самсон, она уверена, раб любовной страсти, и теперь оба — Далила и верховный жрец — поют триумфальный дуэт по поводу их грядущей победы, в которой они не сомневаются.
Разражается ужасная буря. Верховный жрец удаляется, а Далила с нетерпением ожидает Самсона. Когда он в конце концов появляется из мрака ночи, он шепчет себе, что желает лишь одного — освободиться от чар Далилы. Он пришел проститься с нею, так как должен служить своему народу. Он не обращает внимания на ее решимость удержать его и на ее женские хитрости, которые содержат не только любовные утехи, но также сентиментальные воспоминания о наслаждениях в прошлом, гнев и слезы. Видя, что он смягчается, она поет знаменитую арию «Mon coeur s'ouvre a ta voix». В концертном исполнении она гораздо меньше впечатляет, чем в опере, поскольку в концерте, где нет сценического партнера, нельзя столь выразительно передать любовные излияния Самсона Далиле в конце каждого куплета.
Далила снова спрашивает, в чем секрет его огромной силы, но Самсон снова отказывается раскрыть его. Но когда Далила в конце концов отталкивает его, называет его трусом и выталкивает из дома, Самсон совсем теряет рассудок. В раскатах бушующей бури он в отчаянии простирает руки к небу и медленно следует за Далилой в ее дом. Из библейской истории все знают, что произошло в доме с Самсоном и его волосами. За сценой слышен удар грома. В блеске молнии видны фигуры филистимлянских воинов, тихо окружающих дом Далилы. Неожиданно она появляется в окне и призывает на помощь. Слышен вопль Самсона: он кричит, что его предали. В дом врываются воины, чтобы схватить его.
ДЕЙСТВИЕ III
Сцена 1. Потеряв своего могущественного вождя, иудеи скорбят, и их хор — в темнице за сценой — горько жалуется на то, что Самсон предал бога их отцов. На сцене ослепленный Самсон вращает мельничный жернов, к которому его привязали его истязатели на тюремном дворе. В агонии отчаяния он взывает к Иегове, чтобы тот принял его жизнь — лишь бы вернуть любовь и доверие соотечественников. Неумолимо и безжалостно хор за сценой продолжает осуждать его. В конце концов тюремщики уводят его.
Сцена 2. В храме Дагона перед огромной статуей их бога филистимляне празднуют победу. Танцующие девушки поют победный хор, который — в первом действии — они пели Самсону. Балет исполняет «Вакханалию».
Когда маленький мальчик проводит здесь ослепленного Самсона, все провожают его презрительным смехом. Далила, с бокалом вина, подходит к Самсону и, издеваясь над ним, напоминает ему о минутах, которые он провел в ее объятиях. Верховный жрец с утонченной издевкой обещает обратится в иудея, если Иегова столь могуществен, чтобы вернуть Самсону зрение. Самсон, устремив свой невидящий взор к небу, молит Господа отомстить за такую ужасающую нечестивость.
Но вот начинается самая важная часть церемонии жертвоприношения. На алтаре вспыхивает священный огонь, и — в качестве кульминации — Самсон должен пасть на колени перед Дагоном. Под звуки триумфального пения филистимлян маленький мальчик ведет Самсона между двух огромных колонн, где он должен совершить почтительный поклон. Очень спокойно наш огромных размеров герой говорит мальчику, чтобы он покинул храм. Тем временем хвалы, обращенные к Дагону, становятся все громче и громче. Наконец Самсон обхватывает две колонны, возносит молитву, чтобы в последний раз продемонстрировать свою силу, и с устрашающим воплем сдвигает колонны с места. Филистимляне в ужасе впадают в панику и пытаются выбежать из храма. Но слишком поздно: весь храм рушится, погребая под своими обломками всех, включая Самсона и Далилу.

Творчество Сен-Санса. Карнавал животных.

КАМИЛЬ СЕН-САНС (Saint-Saens)

К. Сен-Санс вошел в историю прежде всего как композитор, пианист, педагог, дирижер. Сен-Санс был также автором книг по философии, литературе, живописи, театру, сочинял стихи и пьесы, писал критические эссе и рисовал карикатуры. Он был избран членом Французского астрономического общества. В своих полемических статьях композитор выступал против ограниченности творческих интересов, догматизма, ратовал за всестороннее изучение художественных вкусов широкой публики. "Вкус публики", - подчеркивал композитор, - "хороший или простой - безразлично, - безгранично драгоценный путеводитель для художника. Будь он гением или талантом, следуя этому вкусу, он сможет создать хорошие произведения".

Камиль Сен-Санс родился в семье, связанной с искусством (отец писал стихи, мать была художницей). Яркое музыкальное дарование композитора проявилось раннем детстве. С трех лет будущий композитор уже обучался игре на фортепиано, в 5 - начал сочинять музыку, с десяти выступал как концертирующий пианист. В 1848 г. Сен-Санс поступил в Парижскую консерваторию, которую окончил через 3 года сначала по классу органа, затем по классу композиции. К моменту окончания консерватории Сен-Санс был уже зрелым музыкантом, автором многих сочинений, в т. ч. Первой симфонии, получившей высокую оценку Г. Берлиоза и Ш. Гуно. С 1853 по 1877 гг. Сен-Санс работал в различных соборах Парижа. Его искусство органной импровизации очень быстро снискало всеобщее признание в Европе.
Сен-Санс выступает как пианист и дирижер, редактирует и издает произведения старых мастеров, пишет теоретические труды, становится одним из основателей и педагогов Национального музыкального общества. В 70-х гг. одно за другим появляются сочинения, с восторгом встречаемые современниками. Среди них - симфонические поэмы "Прялка Омфалы" и "Пляска смерти", оперы "Желтая принцесса", "Серебряный колокольчик" и "Самсон и Далила" - одна из вершин творчества композитора.
Оставив работу в соборах, Сен-Санс целиком посвящает себя композиции. При этом он много путешествует по всему миру. Прославленный музыкант был избран членом Института Франции (1881), почетным доктором Кембриджского университета (1893), почетным членом Петербургского отделения РМО (1909). Искусство Сен-Санса всегда находило теплый прием в России, которую композитор неоднократно посещал. Он был дружен с А. Рубинштейном и Ц. Кюи, живо интересовался музыкой М. Глинки, П. Чайковского, композиторов-"кучкистов". Именно Сен-Санс привез из России во Францию клавир "Бориса Годунова" М. Мусоргского.
До конца своих дней Сен-Санс жил полнокровной творческой жизнью: сочинял, не зная усталости, концертировал и путешествовал, записывался на пластинки. Последние концерты 85-летний музыкант дал в августе 1921 г. незадолго до смерти. На протяжении всего творческого пути композитор особенно плодотворно работал в области инструментальных жанров, отводя первое место виртуозным концертным произведениям. Широкую известность приобрели такие сочинения Сен-Санса, как Интродукция и рондо каприччиозо для скрипки с оркестром и Третий скрипичный концерт (посвящены известному скрипачу П. Сарасате), Концерт для виолончели. Эти и другие произведения (Симфония с органом, программные симфонические поэмы, 5 фортепианных концертов) выдвинули Сен-Санса в ряд крупнейших французских композиторов. Он создал 12 опер, из которых наибольшую популярность приобрела "Самсон и Далила", написанная на библейский сюжет. Впервые она была исполнена в Веймаре под управлением Ф. Листа (1877). Музыка оперы пленяет широтой мелодического дыхания, очарованием музыкальной характеристики центрального образа - Далилы. По словам Н. Римского-Корсакова, это сочинение является "идеалом оперной формы".
Искусству Сен-Санса свойственны образы светлой лирики, созерцательности, но, кроме того, и благородная патетика, и настроения радости. Интеллектуальное, логическое начало нередко в его музыке преобладает над эмоциональным. Композитор широко использует в своих сочинениях интонации фольклорных и бытовых жанров. Песенно-декламационный мелос, подвижная ритмика, изящество и разнообразие фактуры, ясность оркестрового колорита, синтез классических и поэмно-романтических принципов формообразования - все эти черты нашли отражение в лучших произведениях Сен-Санса, вписавшего одну из ярких страниц в историю мировой музыкальной культуры.
И. Ветлицына 
  belcanto.ru

О “Карнавале животных” Сен-Санса

"Карнавал животных" Сен-Санса сегодня, пожалуй, самое известное его сочинение. Но ирония судьбы в том, что композитор не собирался его печатать. Единственная пьеса из “Карнавала животных”, которую Сен-Санс решил опубликовать, - “Лебедь”. За исключением лебедя, персонажи "Карнавала животных" Сен-Сансом представлены юмористически. В некоторых пьесах композитор олицетворяет ими людские характеры. И эта символичность, ясная его современникам, являлась одной из причин того, что Сен-Санс не желал публиковать “Карнавал”. Кроме того Сен-Санс боялся утратить репутацию “серьезного композитора”. Однако, “Карнавал животных” был включён им в перечень сочинений, которые следует напечатать после его кончины. Необычен состав инструментов "Карнавала животных" Сен-Санса: флейта, фисгармония, ксилофон и челеста, 2 фортепиано, струнный квинтет. Композитор использует инструменты настолько ярко, что долгое время “Карнавал животных” был чуть ли не лучшим “путеводителем по музыкальным инструментам”. Пародирование характеров и образов средствами музыки появилось во Франции задолго до Сен-Санса и существует также и сегодня. Из предшественников Сен-Санса можем вспомнить Франсуа Куперена (и сюиту “Пышные празднества великой и древней корпорации менестрелей” из его пьес для клавесина. Музыка "Карнавала животных" Сен-Санса содержит множество аллюзий, намеков и цитат. Например, в пьесе “Черепахи” цитируется мелодия канкана из “Орфея в аду” Оффенбаха, но в медленном темпе. Пьеса “Курицы и петух” вызывает ассоциацию с “Курицей” Ж. Ф. Рамо. В пьесе “Слоны” контрабас проводит тему “Вальса сильфов” Гектора Берлиоза, но в изменённом характере. “Пианисты” указывают на минувшую эпоху, а также предвосхищают “Этюд для пяти пальцев по г-ну Черни” (один из “Двенадцати этюдов”) Клода Дебюсси. И "Пианисты", и этюд имеют много общего, хотя Дебюсси не подозревал о существовании этой пьесы Сен-Санса. А в “Ископаемых” используется материал “Севильского цирюльника” Россини и “Пляски смерти” самого Сен-Санса.

Концерт для фортепиано a-moll Э. Грига.

Концерт для фортепиано a-moll

Самым крупным по масштабу и значительным сочинением Грига является фортепианный концерт a-moll op. 16. Впервые исполненный в 1870 году, он вскоре завоевал большую популярность, которая сохранилась по сей день. Яркая приподнятость, праздничность выражения, рельефность тематизма, смелые образные сопоставления, неожиданные «повороты» в музыкальном развитии, резкие смены настроений — все это чрезвычайно соответствует жанру концерта, где экспозиционные моменты преобладают над разработочными. А как раз в увлекательном показе колоритных, сочных образов заключается сила Грига! Так, надолго врезывается в память музыка вступления, где использован характернейший оборот норвежской народной музыки (нисходящий тон от тоники к септиме в квинту).

Динамичному развороту «событий» первой части противостоят лирически восторженные образы второй части, подчас приобретающие гимнический характер, что еще более оттеняет ликующий финал народно-жанрового склада. И здесь, в коде, воскрешаются гимнические образы — на основе варьированной второй темы финала возникает дифирамб, прославляющий радостное упоение жизнью.
Музыка концерта, словно вспоенная живительными соками родной земли, пронизана интонациями и ритмами норвежского фольклора. Это, в частности, подчеркивается свежо звучащими ладовыми оборотами (миксолидийский — в коде финала, фригийский — в побочной партии первой части и пр.).
Григ более не возвращался к столь крупным замыслам в сфере симфонической музыки. Его оркестровые пьесы имеют значительно более скромные рамки, приближаясь к характеру камерных миниатюр, и не случайно вместе с оркестровой композитор издавал их фортепианные редакции. Среди этих пьес выделяются увертюра «Осенью» ор. 11, рисующая тонкий «пейзаж настроения», «Симфонические танцы» ор. 64 на норвежские народные темы и написанная для струнного оркестра обаятельная сюита в старинном стиле «Из времен Хольберга» ор. 40 (известна также ее фортепианная редакция). Здесь не упомянуты сюиты из театральной музыки во главе с шедевром Грига — «Пером Гюнтом».

Пер Гюнт

Пер Гюнт

Композитора влекли и миниатюры, и замыслы большого масштаба. «Я мечтал о них — к сожалению, здоровье не позволило осуществить это»,— говорил Григ. Но все же он пробовал свои силы и в данном направлении, написав ряд вокально-симфонических драматических сцен и картин. К ним относятся: «У врат монастыря» ор. 20 (для женских голосов — соло и хора — с оркестром),«Возвращение на родину» ор. 31 (для мужских голосов — соло и хора — с оркестром) и «Олаф Трюгвасон» ор. 50 (для солистов, хора и оркестра). Сюда могут быть отнесены и «Берглиот» ор. 42 (декламация с оркестром), и музыка к пьесе «Сигурд Йорсальфар» ор. 22 и 56.

Эти произведения ораториально-симфонического плана, написанные на тексты Бьёрнстьерне Бьёрнсона, объединены единством цели: используя народные исторические предания и героику саг, на основе их образов и сюжетов Григ хотел создать национальную оперу. Он не сумел это сделать, ибо монументальные концепции, как правило, не удавались ему. Но в общении с Бьёрнсоном Григ глубже постигал черты народного характера, историю и быт своего народа. Все это подготовило свершение той большой художественной задачи, которая обессмертила имя Грига. Речь идет о музыке к пьесе Генрика Ибсена «Пер Гюнт», в которой сосредоточены типичные черты творчества композитора. Характерны в данном отношении и поэтические образы, взволновавшие его, и средства выразительности, избранные для их воплощения.
В своей пьесе Ибсен использовал элементы норвежских народных сказок, но насытил их новым, современным звучанием. Его драма проникнута пафосом протеста, бунта человеческой личности против сковывающих и уродующих ее социальных условий. Вместе с тем средствами бичующей сатиры изобличается Пер Гюнт, эгоизм и себялюбие которого приводят к разладу с действительностью. Первая часть драмы показывает его в реальных условиях норвежского крестьянского быта. Этот простой и наивный парень наделен необузданной фантазией и противоречивыми чувствами. Лучшие стороны характера Пера связаны с любовью к Сольвейг и к своей матери Озе. Но в ненасытной жажде приключений он изменяет Сольвейг, похищает чужую невесту Ингрид, а затем увлекается дочерью Доврского Деда, властителя горных недр. Пер отправляется странствовать, мать его умирает, лишь Сольвейг — как воплощение образа родины — будет ждать его возвращения...
Вторая часть пьесы Ибсена далеко отходит от народно-поэтических источников. Писатель остро вскрывает пагубное воздействие буржуазной морали на тех, кто этически неустойчив в своих стремлениях и поступках. После долгих лет странствий, став богачом, Пер отправляется домой. Но шторм разбивает корабль, гибнут его богатства, а с ними и мечты о новой жизни. Терзаемый совестью, стариком Пер Гюнт возвращается в родную деревню, чтобы умереть на руках Сольвейг; ее любовь приносит ему прощенье.
Ибсен написал свою драму в 1867 году, спустя семь лет она была поставлена в Норвегии. Григ с радостью откликнулся на предложение писателя снабдить постановку музыкой и сам разработал план музыкальной композиции. Двадцать три номера партитуры он посвятил обрисовке лирико-драматических, пейзажных и жанрово-бытовых эпизодов, а позже, в конце 80-х годов, из этой музыки составил две сюиты, ор. 46 и 55, которые содержат девять номеров.
Черты индивидуального бунтарства героя драмы не отражены в музыке Грига. Вообще образ Пера, каким его создал Ибсен, отсутствует в партитуре композитора. Последний преследовал иные цели: он приблизил содержание пьесы Ибсена к народно-поэтическим источникам.
Как своеобразный лейтмотив родины сквозь всю партитуру проходит «Песня Сольвейг» (№ 8). Эта музыка, на редкость чистая и целомудренная, принадлежит к лучшим, поэтичным созданиям Грига. В ее мелодии слышатся отголоски подлинно народного норвежского напева.
Мастерски в песню включены (в мажоре) интонации и ритмы спрингара — они звучат словно в дымке воспоминаний. Столь же близка народным истокам глубокая по своей выразительности, простая и суровая музыка «Смерти Озе» (№ 2) — она выдержана в духе траурного марша.
Народно-жанровые моменты подчеркнуты в яркой «Пляске» в манере халлинга (№ 9), с характерным для народной норвежской музыки использованием лидийской кварты (повышенной IV ступени).
Также обычные для композитора «кобольдовые» образы разработаны в сцене «В пещере горного короля»(№4). Но здесь они наделены не шутливо-бытовыми, а стихийными, демоническими чертами — речь идет о легендарном Доврском Деде. Мастерски композитор разворачивает музыку этой сцены — от таинственно звучащего проведения темы в басах рр, постепенно усиливая динамику и повышая регистр, к мощному и звонкому ее проведению.
Лирические и сказочно-бытовые моменты дополнены пейзажными зарисовками. Идиллически пасторальный характер носит«Утро» (№ 1), в музыке которого расцветает весенняя полнота чувств. Обращает на себя внимание излюбленный Григом мелодический оборот, связанный с подчеркиванием V ступени и вкрапленный в главную тему этой пасторали — он широко использован в «Песне Сольвейг», но там мелодия спускалась с VII к V ступени, здесь же поднимается с III к V.
Григ противопоставляет идиллическому звучанию утра картину вечера на берегу моря в сцене «Возвращение Пера Гюнта на родину» (№ 7), музыка которой по своему романтически-мятежному колориту близка увертюре Вагнера к опере «Летучий голландец». Во второй сюите эта картина непосредственно примыкает к «Песне Сольвейг» — переход осуществляется attacca, благодаря чему еще более оттеняется светлая тема родины, пронизывающая партитуру Грига.
Особняком стоят три номера. Большим драматизмом отмечена «Жалоба Ингрид» (№ 5), обрамленная неистовыми возгласами отчаяния.
И, наконец, контрастом к общему национальному колориту служат восточные сцены, полные грации и изящества,— «Танец Анитры» (№ 3) и «Арабский танец» (№ 6).
Образное богатство, высокие художественные достоинства ставят музыку Грига к «Перу Гюнту» Ибсена в один ряд с такими выдающимися образцами театральной музыки, как «Эгмонт» Бетховена (к пьесе Гёте) или «Сон в летнюю ночь» Мендельсона (к пьесе Шекспира), «Князь Холмский» Глинки (к пьесе Кукольника) или «Арлезианка» Бизе (к пьесе Доде). Вместе с тем театральная музыка Грига обладает своеобразными чертами — она предстает преломленной сквозь призму народного сознания. Композитор говорит здесь от имени народа и для народа. В этих небольших девяти пьесах он затрагивает многие стороны и явления национальной жизни и выражает их с той классической простотой, которая свойственна лучшим произведениям мирового музыкального искусства.

Творчество Грига

Творчество Грига

Григ -- первый классик норвежской музыки, композитор, поставивший музыкальную культуру Норвегии в ряд с передовыми национальными школами Европы. Содержание творчества Грига тесно связано с жизнью норвежского народа, с разными сторонами его быта, с образами родной природы. Григ "искренне и задушевно поведал в своих сочинениях всему миру про жизнь, быт, думы, радости и скорби Норвегии". Яркая самобытность стиля Грига кроется в своеобразии звучания народной норвежской музыки.

Творчество Грига обширно и многогранно. Григ писал произведения самых различных жанров. Фортепианный концерт и Баллада, три сонаты для скрипки и фортепиано и соната для виолончели и фортепиано, квартет свидетельствуют о постоянном тяготении Грига к крупной форме. Вместе с тем неизменен был интерес композитора к инструментальной миниатюре: циклы"Поэтические картинки", "Листки из альбома", "Лирические пьесы". В той же мере, как фортепианная, композитора постоянно привлекала и камерная вокальная миниатюра-- романс, песня. Не будучи основной у Грига, область симфонического творчества отмечена такими шедеврами, как сюиты "Пер Гюнт", "Из времен Холь-берга". Один из характерных видов творчества Грига -- обработки народных песен и танцев: в виде несложных фортепианных пьес (ор. 17), сюитного цикла для фортепиано в четыре руки ("Норвежские танцы" ор. 35) и для оркестра (оркестровая редакция "Норвежских танцев" ор. 35, "Симфонические танцы" на народные норвежские мотивы). Разнообразное по жанрам, творчество Грига разнообразно и по тематике. Картины народной жизни, родной природы, образы народной фантастики, человек со всей полнотой его жизнеощущения -- таков мир музыки Грига. Произведения Грига, о чем бы он ни писал, овеяны лиризмом, живым и любовным отношением композитора к темам своего творчества Григ тяготеет к конкретности музыкальных образов. Поэтому большое значение в его музыке приобретает программность, основанная на воплощении впечатлений от поэтических образов природы, народной фантастики, народного быта.
Музыкальный язык Грига ярко своеобразен. Индивидуальность стиля композитора больше всего определяется глубокой связью его с норвежской народной музыкой. Григ широко пользуется жанровыми особенностями, интонационным строем, ритмическими формулами народных песенных и танцевальных мелодий. В его произведениях лирико-драматического плана, казалось бы далеких от жанрово-бытовых образов, слышны характерные ритмы халлинга и спрингданса. Спрингданс (springe -- прыгать, "танец вприпрыжку") -- один из распространенных в Норвегии танцев, легкий и подвижный, трехдольный, с живыми и разнообразными ритмическими узорами, с переменами ритмических фигур, смещением сильной доли такта ("Лирические пьесы" Грига ор. 12, No 6).Халлинг -- сольный мужской танец. Четный размер, четкие упругие ритмы, подвижность и энергия движения передают характер танца, демонстрирующего силу, ловкость, мужественность. Мелодии Грига пронизаны интонациями, типичными для норвежской музыки, такими, например, как ход от первой ступени лада через вводный тон к квинте: мелодические обороты со звучанием большой септимы: Типы мелодического движения зачастую напоминают характерные народные инструментальные наигрыши. Так, прообразом вступления ко второй скрипичной сонате являются импровизации народных скрипачей. Такие фактурные приемы, как выдержанный органный пункт в басу, квинтовый бас, идут от звучаний народной инструментальной музыки. Замечательное мастерство вариационного и вариантного развития мелодии, свойственное Григу, коренится в народных традициях многократного повтора мелодии с изменениями ее. "Я записал народную музыку моей страны".
Норвежский композитор, пианист, дирижёр, музыкальный деятель. Учился в Лейпцигской консерватории (1858–62), в т. ч. у И. Мошелеса по классу фортепиано, у К. Рейнеке по композиции, в 1863 продолжил занятия композицией у Н. Гаде в Копенгагене. Там же познакомился с композитором Р. Нурдроком, оказавшим решающее влияние на становление творческой индивидуальности Грига. Совместно с Нурдроком, Э. Хорнеманом и другими участвовал в организации межскандинавского музыкального общества «Евтерпа». С 1866 жил в Кристиании (Осло), где в 70-е гг. сблизился с кругами передовой норвежской интеллигенции. Большое значение имела дружба Грига с поэтом и драматургом Б. Бьёрнсоном, по произведениям которого Григ создал ряд музыкально-сценических сочинений (неоконченная опера «Улаф Трюгвасон», музыка к пьесе «Сигурд Юрсальфар», эскизы к опере «Арнльут Геллине», мелодраме для чтеца и оркестра «Берглиот», множество романсов и песен). В 1871 Григ основал концертное Музыкальное общество (ныне Филармоническое общество). С 1874 жил преимущественно в Бергене, с 1885 — в Тролльхаугене. В 80–90-е гг. достиг мировой славы как композитор, дирижёр, пианист. В 1888 в Лейпциге состоялось знакомство Грига с П. И. Чайковским. В 1898 в Бергене Григом был учреждён 1-й фестиваль норвежской музыки (проводятся поныне). Выступал как музыкальный критик (автобиографический очерк«Мой первый успех», 1905; статья «Моцарт и его значение для современности», 1906, и др.).

Дворжак. Пятая симфония e-moll

Пятая симфония e-moll

Пятая симфония e-moll (обозначается также как Девятая) принадлежит к числу лучших сочинений не только Дворжака, но и мировой симфонической литературы второй половины XIX века.

Острый драматизм сближает это сочинение с Третьей и Четвертой симфониями Брамса или Пятой и Шестой Чайковского. Но, в отличие от них, в симфонии Дворжака сильнее выявлены героико-патриотические черты.
Как известно, композитор снабдил ее подзаголовком: «Из Нового Света». В ней отразились впечатления Дворжака от природы, поэзии и народной музыки США. С первых же дней пребывания в Нью-Йорке он внимательно прислушивался к тому новому для него, что звучало вокруг: «Ничего нет слишком низкого и незначительного для музыканта,— говорил Дворжак.— Гуляя, он должен прислушиваться ко всем маленьким свистунам, уличным певцам, слепцам, играющим на шарманке. Иногда я столь захвачен наблюдениями над этими людьми, что не могу от них оторваться, так как время от времени я улавливаю в этих отрывках темы, повторяющиеся мелодии, которые звучат как голос народа». Особое внимание Дворжак уделял судьбе угнетенных народов Соединенных Штатов — индейцев и негров. Еще у себя на родине он увлекался «Песней о Гайавате» американского поэта Генри Лонгфелло (в чешском переводе), собравшего и обработавшего в своей поэме различные предания индейских племен. Глубоко волновали Дворжака песни негров, о которых он говорил: «Они патетичны, страстны, нежны, меланхоличны, дерзки, радостны, веселы... Любой род музыки может использовать этот источник». Его очень привлекало своеобразие спиричуэлс — духовных песен негров-рабов с южных плантаций. Скорбь, гнев, ненависть к угнетателям, мечты о свободе, надежды на счастье запечатлены в этих напевах. «Никогда бы я так не написал симфонию, если бы не увидел Америку», - утверждал Дворжак. Однако ни Пятая симфония, ни другие его сочинения, созданные в США, не принадлежат американской музыкальной культуре. Композитор подчеркивал: «Где бы я ни творил — в Америке или Англии, я всегда писал истинно чешскую музыку». И Пятая симфония пронизана национальными чешскими интонациями и ритмами, хотя в ней и звучат обороты негритянской музыки, а некоторые образы навеяны индейским фольклором (Категорически отвергая утверждения некоторых критиков, будто он использовал напевы народов США, Дворжак писал: «Я стремился воспроизвести в моей симфонии особенности негритянских и индейских мелодий. Я не использовал ни одной из них. Я просто писал характерные мелодии в качестве своих тем, я развивал их, применяя все достижения современной ритмики, гармонии, контрапункта и оркестрового колорита»). Более того, это произведение — чешское по всему складу своему. Думы о родине на чужбине, страстная тоска и пламенный пафос, бурные чувства и героический призыв — таково вкратце содержание замечательного творения Дворжака, достойно венчающего его долголетний путь симфониста.
Образное содержание Пятой симфонии необычайно богато. Но преобладают героико-драматические мотивы, дух упорной, напряженной борьбы, со взлетами, падениями и победным завершением. Эти настроения запечатлены в сквозной теме (лейтмотиве), которая проходит через все части цикла и воспринимается как боевой клич, мятежный и страстный. Ее контуры зарождаются еще в медленном вступлении (Adagio), полном скорбного раздумья и скрытого беспокойства, которым предваряется первая часть.
Но вот начинается Allegro — решительно и броско звучит «сквозная» тема. Ею открывается главная партия, которая содержит два контрастных образа: фанфарному призыву валторн (это и есть лейтмотив симфонии) ответствует народно-танцевальная фраза кларнетов и фаготов. Далее, как обычно у Дворжака, главная партия насыщается развитием и образует трехчастное построение с кульминационным (третьим) проведением «сквозной» темы.
Тема побочной партии, подобно главной, рождается постепенно: обнаруживается ее мотивное родство и со связующей, и со второй темой главной партии.
Вместе с тем светлая, задумчивая побочная образно контрастирует с главной, напоминая чешские народно-инструментальные наигрыши с «волыночным» басом (характерные обороты натурального минора: фа-бекар в последнем такте, квинты в басу). Минорная вначале, данная тема после активного драматического развития меняет ладовую окраску и появляется в одноименном мажоре (g-moll — G-dur).
Этот мажорный вариант подготавливает тему заключительной партии (Заключительная партия столь развита, что воспринимается как второй раздел побочной.), очень яркую мелодически, с характерной синкопой и пентатоническим оборотом, свойственным негритянским спиричуэлс (В то же время в этой теме есть и славянские черты; не случайно некоторыми своими мелодическими и ритмическими оборотами она напоминает вторую (танцевальную) тему главной партии).
Как и другие темы первой части, заключительная развивается уже в экспозиции, приобретая под конец героический характер.
Разработка, сжато проведенная, насыщена драматизмом. Этому способствует использование увеличенных интервалов, напряженных гармоний, резкое сопоставление, а иногда и сближение разнородных тем (лишь тема побочной партии не вовлечена в разработку). Будто в непримиримом противоречии столкнулись жизненные впечатления композитора... Успокоение не наступает и в репризе. Первая часть завершается краткой кодой, где образы борьбы наделяются еще большим трагизмом.
Вторая часть навеяна «Песней о Гайавате» Лонгфелло. Дворжак предполагал первоначально назвать эту часть «Легендой». Он указывал даже определенный эпизод поэмы, вдохновивший его: история любви Гайаваты, смерть его жены Миннегаги и горестное оплакивание ее. Но содержание второй части далеко не полностью совпадает с древним индейским сказанием. Тоска Гайаваты в сознании композитора переплавилась в его собственную тоску по чешской земле, и американские впечатления вызвали мысли о родине.
Вслед за красочными вступительными аккордами, рождающими представление о величавом безмолвии ночной природы, у английского рожка возникает красивая певучая тема.
В ней своеобразно сплелись черты негритянских спиричуэле и славянских напевов. Примечательно также для тонкой мотивной работы Дворжака, что эта тема оказывается родственной заключительной первой части (см. пример 252), что явственно обнаруживается в процессе развития. «Хор» струнных с упоением поет чудесную мелодию (Один из американских учеников Дворжака (В. А. Фишер) обработал этот раздел Largo в виде песни для солиста и хора. Песня приобрела в США такую популярность, что стала даже считаться народной, в результате чего сложилось ошибочное мнение, будто Дворжак воспользовался американской народной мелодией в своем Largo.). Средний раздел второй части основан на пестрой смене образов. Звучит скорбный плач-причитание, возникает мрачное похоронное шествие. Но внезапно яркий свет озаряет музыку — стремительный наигрыш рождает светлые воспоминания о родине. Эти мысли тотчас вызывают к жизни героические образы: в мощном порыве всего оркестра перекликаются темы первой части (главная и заключительная), к которым присоединяется основная тема второй части, также сменившая свой элегический облик на героический. Затем вновь воскрешаются лирико-пейзажные образы начального раздела.
Третья часть — скерцо — также насыщена внутренними контрастами. В основе три темы: первая — танцевальная, отчасти напоминает скерцо из Девятой симфонии Бетховена; вторая — светлая, мажорная, распевная; третья (в «трио») выдержана в духе лендлера.
Но неожиданно (перед «трио»), драматизируя содержание части, вторгается резко изломанный, словно искаженный душевной болью «лейтмотив». Образы борьбы возникают и в коде, предвосхищая торжественной фанфарой труб победный итог всей симфонии.
Смысловой вывод произведения содержится в финале, насыщенном мужественной отвагой, пафосом утверждения. Главная тема этой части, подготавливаемая богатырской «раскачкой» на доминанте, вызывает представление о боевых песнях-маршах гуситов.
В связующей партии эта тема приобретает иной облик, напоминая характер массовых народных хороводов. Героические отголоски главной темы слышны и в лирически-мечтательной побочной — едва ли не самой прекрасной певучей теме всей симфонии (её поет кларнет и словно тенью у виолончелей проносится призыв «лейтмотива»).
Одновременно эта тема вобрала в себя все наиболее специфичное, национально-чешское в содержании произведения. Поэтому неудевительно, что в заключительной партии воскрешаются образы народных танцев, и прежде всею скочны (Итак, в четырех основных партиях финала симфонии последовательно воссозданы типично чешские жанры народного искусства: гуситский марш, плавный хоровод, песня и оживленный танец).
В разработке, где господствует предстающая в разных вариантах главная тема, звучат и другие темы как финала, так и предшествующих частей; особенно же — главная тема второй части, приобретающая здесь героический характер. На кульминации разработки начинается реприза. Трагический колорит усиливается. В противовес этому еще более ширится напев побочной партии, и, как далекое воспоминание, звучит преобразованная танцевальная тема заключительной партии. В ее умиротворенное завершение вплетается мажорная фанфара «лейтмотива». Но это только передышка перед последней стадией борьбы.
Подобно тому как в разработку включились темы других частей, так в коде дается сжатый, напряженно драматичный итог удержания всей симфонии. Ее заключение звучит как пророчество грядущей победе и славе свободолюбивой родины.

 
 

Симфонии Дворжака

Симфонии Дворжака

С 1865 по 1893 год Дворжак написал девять симфоний. На протяжении начального десятилетия были созданы первые четыре произведения, которые взыскательный автор отказался опубликовать (изданы после его смерти). В 1875 году он написал Пятую симфонию (исполнена в 1879 году), но напечатана она была в частично обновленной редакции лишь в 1888 году как Третья симфония F-dur op. 76. Далее последовали: Первая симфония D-dur op. 60 (фактически шестая, 1880, исполнена в 1881, издана в 1882), Вторая d-moll op. 70 (фактически седьмая, 1884, исполнена в следующем году, тогда же издана), Четвертая G-dur op. 88 (фактически восьмая, 1889, исполнена в 1890, издана в 1892), Пятая e-moll ор. 95 (фактически девятая, 1893, тогда же исполнена, издана в 1894).

По содержанию Третья и Первая симфонии родственны: они выражают радостные настроения, эмоционально открытую, непосредственную лирику, веселье. Но в Третьей преобладают пасторальные мотивы, особенно в первой части, тогда как Первая по складу своему более мужественна и энергична. Образы чешской земли, национальные интонации и ритмы ярко запечатлены в обоих произведениях. Примечательно далее, что во второй части Третьей симфонии использованы выразительные приемы «думы», а юмор скерцо предвосхищает «Славянские танцы». В Первой же симфонии — впервые в симфонической литературе — третья часть обозначена как «фуриант». Характерно также для зрелого Дворжака стремление объединить цикл «сквозным» тематизмом. Вторая симфония передает патриотические образы в героико-драматическом плане. Незадолго до того написанные кантата «Наследника Белой горы» и «Гуситская увертюра» близки ей по содержанию. Более того, в первой и последней части симфонии даже использована стремительная главная тема этой увертюры; отголоски гуситских гимнов слышны и во второй части. В целом симфония звучит как взволнованный гимн родине, а своим тревожно-драматическим тонусом она предвосхищает Пятую симфонию Дворжака. В то же время его Четвертая симфония скорее примыкает к образному строю Первой.

Дворжак. Славянские танцы.

Славянские танцы.

Это наиболее популярное сочинение Дворжака: оно в равной мере восхищает и широчайшие круги любителей музыки, и профессионалов-музыкантов. «Славянские танцы» отличает динамичность развития, полного увлекательных «неожиданностей», изобретательность композиции, широта симфонического дыхания, но главное - поэтическое претворение танцевальных образов, в которых отразились жизнь, быт, характер народа.

Какой же народ запечатлен в этих танцах? Конечно, чешский! Будь то буйная радость или светлая печаль, сердечная задушевность или незлобивый юмор - все разнообразие настроений окрашено национальным складом индивидуальности композитора. В то же время он воспроизвел и отдельные типы танцев других славянских народов, и некоторые музыкально-стилистические особенности этих танцев. Можно даже утверждать, что ни в одном произведении Дворжака идеи «славянской взаимности» не получили столь яркого и убедительного своего претворения, как именно в данном сочинении.
Поводом к его созданию явилось предложение издателя Дворжака написать нечто подобное «Венгерским танцам» Брамса, но на другой национальной основе. Дворжака увлекла эта мысль. В течение двадцати дней весной 1878 года была завершена первая тетрадь (восемь пьес) «Славянских танцев». Их успех побудил издателя просить композитора продолжить серию.
Спустя восемь лет была написана вторая тетрадь (еще восемь пьес). В начальной редакции танцы предназначались для исполнения в четыре руки, затем появилась их оркестровая редакция (первая тетрадь - 1878, вторая тетрадь - 1887). В десяти из шестнадцати пьес представлены чешские танцы: фуриант (I, 1 и 8), соуседска (I, 4 и 6; II, 8), скочна (I, 5 и 7; II, 3), полька (I, 3), шпацирка - танец, основанный на сопоставле нии плавного умеренного движения и быстрого, с подскоком (II, 5). Среди остальных танцев: украинская думка (I, 2; II, 4), словацкий одземек (II, 1), польская мазурка (II, 2), польский полонез (II, 6), южнославянское, вернее сербское, коло - танец хороводного склада (II, 7). Таким образом, все танцы первой тетради, за исключением № 2, чешского происхождения; пять пьес второй тетради написаны в характере танцев других славянских народов, а три - чешского склада (№ 3, 5, 8). Вместе с тем надо учесть, что здесь указаны лишь основные народные прообразы, тогда как в каждой пьесе сплавлены элементы разных национальных типов. Например, если обратиться ко второй тетради, то обнаружится, что в № 2 мазурка сочетается с вальсом, а вальс в № 8 - с соуседской, тогда как в № 6 полонез сближен с той же соуседской. В таком сближении разнородных национальных типов заключается неповторимая творческая манера Дворжака, сумевшего благодаря этому создать обобщенные образы славянского танцевального искусства. Различно и образное содержание пьес: в одних даны преимущест венно жанрово-бытовые зарисовки, иногда с использованием народных напевов (1,3 - в духе польки).
В других танцы более симфонизированы, вызывают представление о цельной, непрерывно развивающейся музыкальной картине: так, например, подвергается широкой разработке столь полюбивийся Дворжаку горделивый фуриант:
В некоторых пьесах возникают более яркие контрасты в сопоставлении образов: то это изображение оживленной и веселой суеты народных ярмарок (II, 3); то мужественной массовой пляске противостоит «сольный», женственно-лирический эпизод (II, 1); то начинают преобладать поэтично-задушевные чувства, а отчетливо выраженная танцевальность явственнее ощущается в средних, контрастирующих разделах пьесы (II, 4, 2, 8).
При всем богатстве образно-смысловых оттенков музыку «Славянских танцев» отличает мудрая простота и доступность выражения. Этому способствует стройность композиции. Большинство пьес написано в сложной трехчастной форме, каждый раз по-своему варьированной. В некоторых танцах встречается форма рондо (I, 5 и II, 7) и лишь один раз - сложная двухчастная форма (II, 5).
Стройностью замысла отмечена и композиция каждой тетради: пьесы сопоставляются в темпе - за быстрой следует медленная, в метрическом движении - за двухдольным идет трехдольный танец, в характере настроения. Связь пьес укрепляется и тональными связями и тематическими перекличками. В последнем отношении важное значение имеет открывающий каждую тетрадь первый танец, отголоски которого прослеживаются и в некоторых других пьесах данного цикла. Так достигается единство сюитного построения при многообразии составляющих его частей.

Творчество Дворжака.

Творчество Дворжака.

Дворжак - Один из основоположников чешской национальной музыкальной классики, Дворжак вслед за Б. Сметаной воплотил в своём творчестве картины чешских природы и народного быта (циклы из 6 фотепианных дуэтов "Из чешского леса", фортепианные пьесы "Поэтические картины"), сказочные народно-поэтические мотивы (опера "Чёрт и Кача", 1899, симфонические поэмы на сюжеты чешских народных сказок и легенд - "Водяной", "Полуденница", "Голубок", 1896, "Богатырская песнь", 1897, и др.).

Оперы Дворжака составляют основу чешского национального оперного репертуара. Ему принадлежат народные бытовые оперы "Упрямцы" (1874) и "Хитрый крестьянин" (1877); лирическая опера-сказка "Русалка" (пост. 1901 - одна из популярнейших чешских опер); "Якобинец" (пост. 1889); "Дмитрий" (соч. 1882; на сюжет из русской истории, но с идеализированным образом Самозванца); "Армида" по Т. Тассо (пост. 1904).
Наиболее значительный вклад в мировую музыкальную культуру Дворжак внёс своими симфоническими и инструментальными сочинениями. Тесная связь с мелосом и ритмом чешской народной песни в крестьянской устной традиции особенно ярко проявилась в обработках народных славянских (чешских, словацких, сербских, польских, украинских) танцев - "Славянские танцы" (для оркестра и для фортепианного дуэта) и "Славянские рапсодии", в которых отразилось интонационно-ритмическое своеобразие музыкального творчества славянских народов. Связи со славянской песенно-танцевальной музыкой ощущаются и в многочисленных камерно-инструментальных ансамблях (в т. ч. трио "Думки"). Ярко национальные по колориту сочинения Дворжака, органически впитавшего и претворившего типические особенности песенного и танцевального чешского фольклора, отличаются стройностью формы, мелодическим богатством, разнообразием ритма и гармонии, красочностью инструментовки; многие из них привлекают жизнерадостностью, тёплым лиризмом, юмором.
Дворжак - почётный доктор философии Карпова университета, член Чешской академии наук и искусств (1890), с 1891 профессор Пражской консерватории, с 1901 - её директор, в 1892-95 (с перерывом) директор Национальной консерватории в Нью-Йорке. Пребывание в США обогатило Дворжака впечатлениями, которые он отразил в своей последней, наиболее зрелой, героико-драматической 9-й симфонии - "Из Нового Света" (1-е исполнение - Нью-Йорк, 1893); в ней использованы некоторые негритянские и индейские мелодические и ритмические обороты в сочетании с элементами славянской, чешской песенности. С 1963 в Чехословакии на ежегодных Международных фестивалях "Пражская весна" проводятся конкурсы виолончелистов им. А. Дворжака. Полное собрание музыкальных сочинений издаётся в Праге (с 1955, будет завершено в начала 1970-х гг.). Дворжаку принадлежат 10 опер, оратория, кантаты, культовые сочинения (в т. ч. месса, реквием), 9 симфоний, 5 симфонических поэм (1896-97), 5 увертюр, серенада для струнного оркестра (1875), концерты с оркестром для фортепиано (1876), скрипки (1880) и виолончели (1895), инструментальные и вокальные ансамбли; фортепиано пьесы, хоры, песни.
Дворжак (Dvorak) Антонин (8.9.1841, деревня Нелагозевес на Влтаве, близ Праги, - 1.5.1904, Прага), чешский композитор. В детстве Дворжак воспринял национальные музыкальные традиции, занимаясь с местным учителем (церковным органистом и композитором, т. н. кантором); в 1854-57 учился у А. Лимана в Злонице (теория музыки, игра на альте, фортепиано и органе), в 1857-58 - в Пражской органной школе. Играл на альте в одном из пражских камерных оркестров, с 1862 - в оркестре "Временного театра". Уже в ранних сочинениях Дворжак отразились самобытные черты чешской народной песенности (струнный квинтет, 1861, квартет, 1862). Народный характер музыки и патриотическая тематика кантаты "Гимн" (текст В. Галека "Наследники Белой Горы", соч. 1872, исп. 1873) привлекли к Дворжаку внимание широкой публики. В 1873 сблизился с И. Брамсом, который высоко ценил творчество Дворжака и содействовал изданию его произведений. Среди сочинений Дворжака 1870-х гг. несколько опер, "Моравские дуэты","Stabat Mater", 1-я серия "Славянских танцев" для оркестра, которыми сам дирижировал (выступал как дирижёр и за рубежом). В 1880-е гг. им написано большинство крупных произведений: 4 симфонии, концерт для скрипки с оркестром (1880), увертюры "Моя Родина" (1882) и "Гуситская" (1883), оратория "Святая Людмила" - первая в чешской музыке (1886), а также камерно-инструментальные и хоровые сочинения, 2-я серия "Славянских танцев" (1886) и др. Содержание большинства из них связано с идеей борьбы чешского народа, подвигами национальных героев. В 1888 Дворжак познакомился в Праге с П. И. Чайковским и по его приглашению в 1890 посетил Россию, выступал как дирижёр в Москве и Петербурге с исполнением своих произведений. В 90-е гг. 19 в. началась общественно-педагогическая деятельность Дворжака (среди учеников - В. Новак , О. Недбал и И. Сук).

Вагнер. Тристан и Изольда.

Вагнер. Тристан и Изольда.

Тристан и Изольда – наиболее оригинальн творение Вагнера – поэта. Написана на основе древн сказания 12 в. В центре 1-го фатальная ошибка Тристана и Изольды, приводящая к возникнов-ю роковой страсти. В центре 2 акта беспрециндентная по масштабу любовная сцена , 3 д – таинственное ожидание встречи – смерти героев. «Тристана» часто наз вок-симф поэмой. Это самая бездейственная опера комп-а. Событийная сторона сведена к минимуму. В-р стремился отобразить глубины внутренних душевн движений. Отсюда многообразие чувств: томление, ожидание, отчаяние, жажда смерти и тп. Хаар-но что дейст протекает в основ в ночное время. Ночная романтика пронизывает всю музыку. Тяготения очень интенсивные , благодаря альтерац обострению но без разрешений сост основу стиля этой оперы. Стиль оп отлич изысканностью, доведенной до крайней степени напряж-ти. Римский-Корсаков говорил о «монотонной роскоши». Вступление в оп явл-ся квинтэссенцией всей муз оперы. Комп избегает тоники, обльно пользуется альтер гарм-ми, секв модулирует. Лейтм томления сост из 2-х отрезков – хода виолонч на м6, хроматич восход-го хода гобоя. Оба этих отрезка подверг разнообраз трансформации: тембр, гарм, фактурн, темпов, динамич. Во вступл возник-т и др лейтм: лейтм любовного взгляда, чар любви, восторга любви. Эрнест Курт в связи с муз Тристана говорит о борьбе 2-х противополож тенденций, деструктивной ( постоян преодоление тон-ти) и конструктивной ( потенциальн присут-е тон-ти) ( центробежное-центростремит-е).По мысли Курта Вагнер наметил 2 важнейш направления муз 20в. Его обостренные хром-мы стали основой стиля экспрессионизма; импресс-м же воспольз фонической тракт-й аккордов. По мнению музыков Альфреда Лоренца в опере все же есть тональн центр-это Е dur , появл в 3д (ожидание Изольды). Оп нач a moll заканч в H dur , т.е от S –D. Опера имеет свою строгую продуманную логику. Она открыва-ся песней моряка, напрямую не связ с основной линией оп. Однако отдельн интонац мотивы из этой песни повтор на протяж 1д, играют цементирующую роль. То же набл-ся в 3д. Здесь зв тема англ рожка, иллюстрир-я постушьий наигрыш. Несвязанная с дейст-м эта тема также возникает не раз, играя эдентичн роль. В 1м д Изольда и Тристан выпивают напиток смерти что приводит к взрыву страсти. В 3д экстаз любви заменяется экстазом смерти, кот есть одновременно любовь. В центре произв любов сцена 2 акта, к кот стяг все нити драматургии оперы.

Вагнер. Тангейзер. Лоэнгрин.

В 40-е гг Вагнер отказался от своих прежних, недостаточно продуманных увлечений и окреп как нац художник. По-иному он оценил вклад отечеств романтиков, в 1-ю очередь Вебера, в разраб-ку нар-нац основ немец оперы. Он стремился вдохнуть в родное иск-во высокие идеи, найти средства худ воплощения , отвечавшие возвыш-му строю чувств и мыслей. Теории его часто расходились с практикой т.е с собственной музыкой. Тем не менее Вагнер создавал цельные, гениальные произ-я. Список этих произв откр оп Летучий Голландец – нач зрелый период тв В. До нее В обращ к инсценир-м пьес или романов иностр авторов, но в Л.Г восп-ся драматич мотивами поэтич новеллы Гейне и сказки Гауфа т.е немец источниками. Комп обр-ся к образам нар легенды, хар-м из нар жизни.

В своей след оп Тангейзер ( 1843-45) В обращ к иным образам и средствам выр-ти. Фабула нов оперы явилась оригинальным созданием В – драматурга и поэта. Герой В не может найти себе удовлетворения ни в мире чувствен наслаждения, ни в мире нравствен долга и высоких помыслов. Действ оперы развив-ся вокруг Тангейзера, в борьбе за него. Централь картиной оп явл сцена состязания миннезингеров- певцов любви, где ко всеобщ возмущению Т выступает с прослав-м земных чувств и наслаждений.Это- переломн момент драмы. Все отворачиваются от него, папа в Риме проклинает его. В горе Елизавета умирает. Потряс-й ее гибелью Т находит успокоение в смерти. Тема искупления явл здесь одной из центральных.
Каждая из сил борющихся за Т охарак-на своим комплекс выразит средств. Аккордовый склад ариозо Елизаветы близок суровому звуч-ю хорала пилигримов, встреч-ся и маршев т , свойств-е рыцарям из Вартбурга. Муз обрис-я грот Венеры отмечена страстностью. Двойственность же стремлений Т подчеркнута тем что его партия насыщ-ся то рыцарств мотивами, то страстн тематизмом Венеры. Эти разн муз-драматич сферы объед-ся в увертюре к оп – выдающ произв прогр-симф музыки.
Идейный замысел выявлен оригинальн комп-й в сонатной ф-ме с обрамлением. Крайние части – суровый хорал пилигримов, строгость звучания подчеркнута аккорд складом и послед-ю 1 -6 ст. 2-я лирич т связ с мотивом «раскаяния», ей свойств жалобные, хроматич спуск-ся интонации. В дальнейш обе т даются контрапункт излож ( 1я у тромб, в репр присоед тубы; видоизм 2я у скрипок). В центре ув-ры – сон аллегро с зеркальн репр и с эпизод в разраб. Большой страстностью,чувствен напряж-м отмечена поб п, воспроизв-я музыку гимна Тангейзера Венере. Этот гимн трижды звуч в диалогич сцене Т-ра и Венеры из 1-го акта. При повт повыш-сь в тесситуре и экспрессии (Des.D.Es.) гимн скрепляет муз развит сцены.В 4-й р – в Ми маж ( тон ув-ры).
Муз оп ярка и колоритна.В много внимания уделяет зрелищным моментам. Также далее разрабатывает специфич черты своего муз стиля. «Мелодия должна возникать из речи.»- гов В. Возраст роль оркестра,устанавл-ся нов принципы формообраз-я. Вагнер смело намечает пути создания монологов и диалогов в оп муз,основ-х на свобод внутренне динамич принципах развития ( рассказ Т о поломнич-ве в Рим из 3 акта). В Т. Вагнер преобр и ансамбл сцены , делая их более драматич,теснее связ их с действ ( состязание певцов в фин 1 д). Т-р закрепил ряд драматургич положений, кот типичны для В.
Дальнейшим высшим достиж этого периода явл Лоэнгрин. Здесь В соединил разл легенды о рыцарях Грааля. В иносказ ф-ме В показ-т положение худож, идеалы кот не могут быть поняты в соврем общ-ве.В оп В отказ от ув-ры. Вступл полностью решено средствами тембр-й драматургии. Своеобр cresc и dim связаны с включ и выключ опред групп оркестра. Скрипки в выс регистре разд на 4 партии, олицет образ Грааля откуда родом Лоэнгрин. Постеп-е включ дер дух,затем меди способ созд-ю пространствен эффекта с приближ-м и отдален-м образа Л-на.
В 1-м д дана экспоз светлых образов. Л представ-н интонац объективного склада,Эльза больше песенными инт. В этой оп В созд темы типично немец склада, где соед маршев элем с характерной декламацией. Арии и реч-вы, кот прежде исключали друг друга, слив-ся в непрерыв муз поток. Мужествен драматизм деклам-и придает особый хар ариозн эпиз-м,составляя с ним ед целое. Отсюда возник термин часто примен по отнош к муз В- «бесконечная мелодия». Сцена-диалог Л и Эльзы – завяз драмы «мотив запрета».Больш роль игр в оп принцип контрастного сопост-я.
Ярчайш контраст – нач 2-го д, представляющ мир зла и коварства.Во вступл В польз целым арсеналом хар выразит средств – низк регистры орк, сумрач тебры виолонч и бас-клар,хром-мы,ум7- для созд негатив образов. Уделяя вним психолонич сост своих героев В порой забывает о надобности отображ внеш дейтв, места, что привнос опред дисбаланс. Во 2-м д исключ явл свадебн ществие. Редкий пример сост и вступл к 3д – праздник в честь свадьбы Л и Эльзы. Тема запрета возник на протяж 2 д, заканч 2д угрожающим звуч т запрета у труб и тромбонов.
Центр сцена 3д – дуэт Л и Эльзы. Ф-ма здесь не закругл-я а именно разомкнутая. Каж нов этап, нов поворот действ рождает нов музыку при общем единстве хар и стиля. Симптоматично проник-е инт Ортруды в вок парт Эльзы. Делая разверт-е действ более сквозным, углубляя принципы симф-ции Вагнер усиливает драматург знач лейтм, направл-х и скрепляющ муз развитие.В оп велика роль лейт-тембров: струнные в выс регистре- царство Грааля; виолонч,фаготы –зло (Ортруда); дер дух-Эльза; трубы, тромбоны – Король Генрих.

Вагнер. Летучий Голландец.

Вагнер. Летучий Голландец.

Основ тема-
    1. через бурю к покою.
    2. тоска по идеальному.
Опера решена как типичн драма рока с переплетен образов фантастики и образов реальных. В ув-ре Л.Г представ основн темы оп.:
    1. клич Голландца ( ре мин)
    2. тема Сенты ( мотив искупления)
    3. лейтм предчувствий.
Выработка тематизма облад-го многочисл образно-интонац связями – одно из достиж Вагнера в этой оп. В этом корень лейтм системы В-ра. Устанавл-ся инт-смысловая взаимосвязь между основными мотивами, что создает возможн-ть для симф-ции оперы. Уже здесь комп стремится преодолеть архитектонич-ю расчлененность номерного принципа. Если хар-ка Сенты и Голландца отлич цельностью, своеобразием, то остальн образы решены несколько прямолинейно. Образ Даланда интерпретирован в традициях франц комич оп. Образ Эрика лишен яркой характерности.

Вагнер. Творчество.

Вагнер. Творчество.

Вагнер вспринял все основополог традиции своих предшеств-в.

    1. тракт-ка оперы как синтетич жанра, имф-ть оперн развития от Моцарта и Бетховена. Здесь также влияние драматич вок-инстр жанров, представл произ Шютца, Баха, Генделя.
    2. принцип вагнеров декламац-ти от Шуберт-го преломления немец речи в мелодии, единении поэзии и вокала.
    3. образы:
  • эпизод « шелест леса» из Зигфрида, образы лесной романтики Вебера, Шуберт-й симф С dur;
  • образ любовн томления – вок муз: Шуберта, Шумана;
  • рыцарск романтика, Тангейзер, Лоэнгрин= Эврианта Вебера. Тенденция к исполинскому , гипертрофия чувственности.
В своей статье о применении муз к драме В излагая свой тв метод поясняет, что его отпугивающие смелости возникли только как стремление дать наиболее выразит-ю и психологич правдив хар-ку новых поэтич образов и драматич ситуаций. В-р практиковал дерзания ради дерзаний. Каж нов колористич эффект у В-ра был продуман с точки зрения полного соответ-я поэтич образу. Инструм вступл к «Золоту Рейна» для отображ течен воды привлечены 8 волторн, облака- 13 медн инструм на рр , радуга -6 арф. Концепция В-й оп реформы опирается на обновление поэтич текста . В поисках нов драматич содерж В-р обращ к нац немец поэзии и легендам, в частности тв-ву миннезингеров. Интерес к средневек-м легендам был харак-н и для литературы: немец саги бр Гримм, Песнь о Нибелунге – Зимрок, Геновева, Нибелунги Геббеля и тд, Одностор тяготение В оперн сюжетов к вымышл миру романтич старины, а позднее к откровенной мистике мешает восприятию его опер, вредит дейст-ю, противоречит замыслам театр-й драмы. Парсифаль уже и не драма и не опера, а священное представление.
    Оперы Вагнера:
  • «Феи» (1833-1834)
  • «Запрет любви» (1836)
  • «Риенци» (1840)
  • «Летучий Голландец» (1841)
  • «Тангейзер» (1845)
  • «Лоэнгрин» (1848)
  • «Тристан и Изольда» (1859)
  • «Нюрнбергские Мейстерзингеры» (1868)
  • «Золото Рейна» (1869)
  • «Валькирия» (1870)
  • «Зигфрид» (1876)
  • «Закат богов» (1876)
  • «Парсифаль» (1882)

Верди. Реквием

Реквием

Реквием - единственное крупное произведение Верди, написанное не для оперной сцены. Задуман в 1868г, когда умер Россини, как коллективное произведение. В. записал лишь заключительную часть Libero me. Новый же реквием был написан памяти Алесандро Мадзони и впервые исполнен в годовщину его смерти 22 мая 1874 г в Миланском соборе св. Марка.

    Состоит из 7 ч. №1:
    1. Реквием ( квартет и хор), ср эпизод фугато.
    2. Kirie
№2 Dies Irae. Занимает центральное место во всем произведении. Ее часто сравнивают с фреской Микеланджело «Страшный суд». D.I. распадается на 9 самостоятельных эпизодов. Здесь Верди своеобразно использует голоса хора ,лишая их напевности, тракт-ся скорее как инструменты оркестра.
    1. Tuba Mirum (трубный глас).
    2. Liber scriptus (написанная книга) – Диалог мец-сопр с фразами мрачных пророчеств и хора, повт-го один и тот же мотив- Dies Irae. В послед-х эпизодах реквиема обрис-ны живые правдив чел образы, хар-ры поразному отн-ся к чел испыт. Инициатива принадлежит солистам, хор играет роль фона. Выдел-ся лирич дуэт сопр и мец-сопр – Ricordare (Помни). Этот номер переносит из грозных образов в мир чел чувств и переживаний. Соло тенора Ingimisco (Воздыхаю). 2 последних эпизода – Confutatis- соло баса и хор и Lacrimosa (вокал кварт и хор).
№ 3 Offertorio Приношение даров – квартет сол-в (лирич интерм)
№4 Sanctus ( двойной хор в ф-ме двойн 8-миг фуги).
№5 Agnus Dei (соло и хор) – самая лаконичная часть.
№6 Lux Aeternam Вечный свет – терцет мец-сопр ,тенор, бас.
№7 Libera me (соло сопр и хор)- Избавь меня. Играет роль синтезир-й репр, ибо здесь звучит и хор Dies Irae и нач-й хор.
Реквием Верди образно конкретен. Здесь типичн для оп В – сопост разл обр и настр, ярч-я контр. Как и в Аиде орк вокален. Искусно примен звуч-е сол тембров дух инстр. Харак мерц-е гарм. №6 Рек воспр-ся как ед худ-е целое, как монументальное муз произведение с доминир-й осн идеей. Ясная логика симф разв-я. 7 разд рекв скрепл путем цементирующего форму возвращения наиболее значительных эпизоддов, среди которых выделяется Dies Irae.

Верди. Отелло.

«Отелло»

Отелло- высшее реалистическое достижение Верди, одно из лучших произведений мировой оперной классики.

Литературный первоисточник принадлежит Шекспиру, любимому писателю Верди. Еще в 1881 г Арриго Бойто представил Верди полный текст либретто. Верди приступил к осуществлению замысла лишь в 1884 г., заставив Бойто многое переделать в либретто. Музыка сочинялась в течении 2-х лет. Премьера «Отелло» состоялась в Милане в 1887 г. Это был триумф итальянского искусства. Композитор сумел передать подлинный дух шекспировской трагедии, хотя в опере выпущено ряд побочных моментов и сцен, разворот событий дан более сжато и стремительно, противопоставления характеров и драматических ситуаций резче обозначены. Внесен ряд дополнительных эпизодов (дуэт Отелло и Дездемоны в конце 1-го акта, «кипрский хор» во 2м). Музыкальная драматургия «Отелло» развивается стремительно и напряженно. Верди окончательно порывает с принципами номерной структйры: действие распадается на сцены, но переходы между ними сглажены. Верди сочетает сквозное развитие с внутренней завершенностью центральных драматургических моментов. В этой связности развития велика роль как вокального, так инструментального фактора. Верди нашел в Отелло идеальное соотношение между речитативно-декламационным и песенно-ариозным началом. Мелодическая щедрость Верди не иссякла и он не отошел от народно-песенных истоков. Ярче стал гармонический язык, подвижнее тональный план. Колоритнее и разнообразнее стал оркестр, не потерявший своих индивидуальных качеств – сочного звучания чистых тембров, ярких сопоставлений контрастных групп, мощной динамики. Оркестр приобрел значение равноправного участника действия и в той же мере проникся песенностью, в какой вокальная партия – декламационностью. Все музыкальные ресурсы оперы предстали в органическом единстве.
1-й акт делится на 3 большие сцены: Буря, Таверна, Ночь. Каждая из них имеет свои музыкально-драматургические центры, в которых закреплено развитие действия и характеров. Опера начинается без увертюры, ее заменяет большая динамическая хоровая сцена. Она является косвенной характеристикой Отелло – народного любимца и вождя. Во 2-й сцене разв-ся интрига и дана первоначальная экспозиция образов Яго с его замечательной застольной песней. 3-я - любовный дуэт, в котором обрисовывается поэтический облик Дездемоны и лирические стороны характера Отелло .Конец акта - тема любви - высшая светлая точка трагедии.
Во 2-м акте на 1-й план выдвигается коварный и злобный Яго. В показе сильного отрицательного образа Верди использует драматургические средства выражения. Монолог Яго – лучший образец, наравне с образом жрецов в Аиде, этой манеры. Важнейшие узловые точки 2 акта – кипрский хор, квартет и заключительная клятва мести – дуэт Яго и Отелло, носит демонический характер.
Большой целеустремленностью отмечено развитие 3-го акта. Его 1-я половина показывает рост ревнивых чувств Отелло, что приводит к кульминации оперы – септету с хором.
4-й акт – вершина трагедии. Сдержанными, скупыми средствами передает Верди ощущение напряженного ожидания страшной катастрофы и ее свершение. В музыке преобладают приглушенные тона (ррррр). Тем ярче выделяются неожиданные вспышки отчаяния или гнева. Атмосфера настороженной тишины гениально передана в оркестровом вступлении. Тоскливая мелодия английского рожка сопровождается скорбным вздохом флейт, позже вступающая пустая квинта у кларнетов звучит неумолимым приговором. Тематизм вступления пронизывает всю 1-ю сцену акта с песней об иве и молитве Дездемоны. Отзвуки этой темы проникают в интонации Отелло, прозревшего после гибели Дездемоны. В момент его смерти возникает чудесная мелодия любви из 1-го акта.

Верди. Аида.

Аида

В 1969 г Верди получил от правительства Египта заказ на оп по случаю торжеств, связанных с предстоящим открытием Суэцкого канала. В начале Верди отказался, но в 1870г., познакомившись со сценарием Аиды, композитор заинтересовался и дал свое согласие. Автором этого сценария был известный французский египтолог Мариетт, он использовал легенду, изложенную в расшифрованном им папирусе, из эпохи борьбы фараонов др Египта против Нубии (Эфиопия). По рис Мариетта готовились костюмы и декорации. Возможность создания блестящего, эффектного спектакля, переносящего зрителя на берег Нила, пламенная любовь эфиопской рабыни Аиды и египетского полководца Радамеса, 2 соперницы - Аида и дочь Египетского фараона Амнерис, мрачные фигуры египетских жрецов, смерть заживо пгребенных Аиды и Радамеса – все это чрезвычайно увлекло Верди. Прозаический текст оперы написал франц либреттист Дю Локль, а стихотворный перевод его на итальянский язык сделал А. Гисланцони. Многое в тексте либретто принадлежит самому Верди, который тщательно изучал историю и искусство др Египта. 1-я постановка Аиды состоялась в Каире в конце 1871 г, а 8 фев 1872 – в Милане, где постановкой руководил сам автор. Обе постановки имели триумфальный успех.

Опера «Аида» – произведение гуманистическое, воспевающее чистое, светлое человеческое чувство - любовь Аиды и Радамеса - вызвало горячее сочувствие к страждущим, угнетенным и ненависть к гнету и деспотизму в лице Египетских жрецов, обрекших на гибель главных героев.
По внешним признакам Аида – типичная большая опера с торжественными шествиями и процессиями, маршами и балетами, с грандиозными массовыми хоровыми сценами, с мощными ансамблями. Такого блестящего, помпезного спектакля требовал характер заказа, но есть в Аиде и черты отличающие ее от большой оперы, например, тонкая психологическая разработанность в музыке гл героев. Огромна роль лирического начала в опере, так самый конец «Аиды» – просветленная смерть Аиды и Радамеса с дивной, нежной мелодией в их дуэте, с тающими звучностями рр в оркестре вовсе не типичен для большой оперы, обычно заканчивающейся шумными финалами. Т.о., в Аиде достигнут синтез 2х линий творчества Верди: линия большой героической оперы («Сицилийская вечерня», «Дон-Карлос») и линии лирико-психологической оперы, идущей от Луизы Миллер и Травиаты.
«Аида» отличается мелодическим богатством изумительным даже для такого гениального мелодиста как Верди. В Аиде преодолена номерная структура старой итальянской оперы, за исключением романса Радамеса (1-е д). Вся опера состоит из больших драматических сцен. Гибко следуя за развитием дейст-я, за текстом каждая ария или дуэт, или ансамбль представляет собой законченный логически развивающийся муз эпизод-сцену. Музыка «Аиды» итальянская в своей основе, имеет в некоторых сценах и эпизодах восточный характер (пение и танец жриц во 2-й кар 1го д, отд моменты 3-го д- на берегу Нила), что сказывается в ладогармоническом языке – звукоряд с 2 ув2, мажоро-минор. Эти ориентализмы определяются сюжетом, обстановкой и местом действия.
Оркестр в Аиде чрезвычайно колоритен, богат и разнообразен в тембровом отношении, он нигде не ограничивается только аккомпанирующей функцией, а всегда участвует в раскрытии драматических ситуаций. Если в операх Верди до 50-х гг вокальная сфера явно преобладала над инструментальной, то в Аиде достигнуто единство и равноправие между ними. Моментами оркестр Аиды поражает мастерством и тонкостью колорита: сцена на берегу Нила (3-е д), закл сцена оперы.
Верди в «Аиде» обогащает музыкальную драматургию новыми достижениями. Действие оперы развивается динамично, напряженно и состотит из больших драматических сцен. Гармонический и полифонический язык становится богаче и тоньше. Заметное значение приобретает лейтмотив Аиды, жрецов, Амнерис – тема ревности. В опере ярко и рельефно противопоставлены друг другу 2 контрастных начала, заключающих в себе основной конфликт – светлый, чистый образ Аиды и суровый образ жрецов, воплощающих темную силу, угнетение и деспотизм. Каждый из образов имеет свой чрезвычайно выразительный лейтмотив. На противопоставлении этих 2-х лейтмотивов основано вступление к опере. 1 из лейтмотивов - лейтмотив любви Аиды .Мягкая, прозрачная звучность скрипок в высоком регистре, хроматизмы, тонкое контрапунктическое 2-хголосие, сочетание мажора и одноименного минора придают музыке характер нежного томления. 2-й лейтмотив характеризует суровых и непреклонных жрецов. Развивается он полифонически (имитационно). В дальнейшем оба лейтмотива сталкиваются в одновременном проведении,но заканчивается вступление утверждением и развитием лейтмотива Аиды.